Die Ursprünge der Foley Art

Die Kunst von Foley, benannt nach seinem Pionier Jack Foley, entstand in den späten 1920er Jahren, als die Filmindustrie von Stummbildern zu Tonfilmen wechselte. Jack Foley, ein Tonredakteur bei Universal Studios, entwickelte zuerst Techniken, um Live-Soundeffekte mit bewegten Bildern zu synchronisieren. Mit alltäglichen Requisiten und provisorischem Material nahm er Schritte, Türknitter, Stoffrascheln und andere Ambient-Sounds in Echtzeit auf, während der Film spielte. Dieser manuelle, hochgradig kollaborative Prozess legte den Grundstein für ein Handwerk, das für das filmische Geschichtenerzählen unverzichtbar werden würde.

Frühe Foley-Künstler arbeiteten in kleinen, mit Teppichen bewachsenen Studios mit minimalen Requisiten: einer Kiste mit Kies für Spuren auf Dreck, Bowlingbällen für Donner und gedehntem Leder für Klopfgeräusche. Das Ziel war es, eine glaubwürdige Klangumgebung zu schaffen, die der visuellen Handlung entsprach, ohne die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Diese Ära erforderte immense Kreativität und körperliche Ausdauer, da Soundeffekte direkt auf optischen Filmspuren aufgezeichnet wurden, ohne Raum für digitale Korrekturen.

Der Übergang zum synchronisierten Sound schuf ein unmittelbares Problem: Wie man jeden Schritt, jeden Türschlag und jedes Rascheln der Kleidung so real fühlen kann wie die Bilder auf dem Bildschirm. Vor Foley verließen sich die Studios auf generische Soundeffektbibliotheken, die selten der spezifischen Handlung in einer Szene entsprachen. Jack Foleys Durchbruch war einfach, aber revolutionär: Die Sounds live beim Anschauen des Films aufführen, jede Aktion genau passend. Sein erstes großes Projekt war das Musical von 1929. Show BoatDie Technik verbreitete sich schnell in Hollywood, und bis 1931 hatte jedes große Studio eine Foley-Abteilung gegründet.

Das Goldene Zeitalter von Foley und Studio Sound

Während der 1930er und 1940er Jahre entwickelte sich Foley zu einer eigenen Abteilung innerhalb der großen Hollywood-Studios. Soundeffektbibliotheken wuchsen, und spezielle Foley-Bühnen wurden mit unterschiedlichen Bodenflächen (Beton, Holz, Fliesen) gebaut, um verschiedene Arten von Fußstapfen aufzunehmen. Der Aufstieg des mehrkanaligen magnetischen Klangs in den 1950er Jahren ermöglichte reichere, nuanciertere Aufnahmen. Foley-Künstler begannen, sich auf bestimmte Effekte zu spezialisieren, wie Requisitenwaffen, Körperfälle oder Stoffbewegungen.

Während dieser Zeit wurde die Rolle des Foley-Künstlers enger mit Regisseuren und Sounddesignern zusammenarbeiten. Die Arbeit wurde immer noch live auf dem Bild aufgeführt, was ein präzises Timing und ein tiefes Verständnis des dramatischen Rhythmus erforderte. Ikonische Filme wie Citizen Kane und Singin’ im Regen Das Handwerk war eine Kunst und eine technische Disziplin, die Leistung mit Akustik vermischte.

Das Studiosystem der 1940er und 1950er Jahre formalisierte Foley-Training durch Lehrlingsprogramme. Angehende Foley-Künstler würden Jahre damit verbringen, die physikalischen Techniken der Klangproduktion zu erlernen, bevor sie an Spielfilmen arbeiten durften. Dieses Lehrlingsmodell brachte Generationen hochqualifizierter Praktizierender hervor, die ihre Leistungen instinktiv dem emotionalen Ton einer Szene anpassen konnten. Ein erfahrener Foley-Künstler könnte die Schritte einer Figur müde, triumphierend oder verängstigt klingen lassen, indem er einfach das Gewicht und den Rhythmus ihres Ganges anpasste.

Die Werkzeuge des Handels

Klassische Foley-Requisiten bleiben heute im Einsatz, obwohl Materialien verfeinert wurden.

  • Schuhe: verschiedene Schuhe (Fläschchen, Absätze, Stiefel) für verschiedene Charaktere und Oberflächen
  • Hardware: Kokosnussschalen für Pferdehufschläge, Metallketten für Gefängnispausen
  • Gewebe: Lederhandschuhe, Seide und Denim für Kleidungsbewegungen
  • Objekte: Schlüssel, Schlösser, Glas und Holzkästen für interaktive Klänge
  • Wassertanks und Regenkästen für Umweltauswirkungen

Jede Foley-Bühne ist eine sorgfältig gestaltete Umgebung. Die typische Bühne umfasst mehrere Oberflächenzonen: eine Betongrube für Schritte auf dem Bürgersteig, einen Sandkasten für Strandszenen, ein Holzdeck für Innenräume und einen Wassertank für Spritzer und Eintauchen. Diese Zonen sind so angeordnet, dass sich der Foley-Künstler zwischen ihnen bewegen kann, ohne den Leistungsrhythmus zu unterbrechen. Der Bühnenboden ist oft auf schwimmenden Plattformen gebaut, um Vibrationen zu isolieren, und Wände werden mit akustischen Platten behandelt, um den Nachhall zu kontrollieren.

Die Auswahl der Requisiten ist ebenso eine Kunst wie die Performance selbst. Erfahrene Foley-Künstler pflegen umfangreiche persönliche Requisitensammlungen, die oft Flohmärkte, Baumärkte und seltsame Verkäufe für ungewöhnliche Gegenstände abfangen. Eine einzelne Requisiten kann auf Dutzende verschiedene Arten verwendet werden: Eine Ledermappe kann ein Sattelknarren des Pferdes werden, eine Vogelklappe oder ein Charakter, der sich in einem Stuhl verschiebt, je nachdem, wie sie gehandhabt wird. Dieser Einfallsreichtum ist von zentraler Bedeutung für die Foley-Tradition.

Technologische Fortschritte und digitale Revolution

Das Aufkommen der Mehrspuraufnahme in den 1970er Jahren gab Foley-Künstlern eine beispiellose Flexibilität. Mit separaten Spuren für Schritte, Requisiten und Tücher konnte jedes Element individuell ausgeglichen und verarbeitet werden. Dann kam die digitale Revolution der 1990er Jahre. Nichtlineare Bearbeitungssysteme wie Pro Tools ermöglichten es Foley-Aufnahmen, synchronisiert, gehackt und mit chirurgischer Präzision manipuliert zu werden. Soundbibliotheken erweiterten sich exponentiell und Foley-Künstler konnten reale Aufnahmen mit digitalen Effekten überlagern, um Hybrid-Sounds zu erzeugen.

Digitale Verarbeitung führte auch Werkzeuge wie Convolution Reverb, Pitch Shifting und Multisample Layering ein. Diese Technologien ermöglichten es Foley-Künstlern, Klänge zu erzeugen, die mit Requisiten allein physisch unmöglich zu erzeugen waren - wie das Brüllen eines Dinosauriers oder das Summen eines futuristischen Fahrzeugs. Allerdings argumentieren Puristen, dass digitale Werkzeuge die taktile, performative Natur von Foley ergänzen und nicht ersetzen sollten.

Der Übergang zur digitalen Version verlief nicht immer reibungslos. Frühe digitale Audio-Workstations hatten nur begrenzte Track-Zahlen und Verarbeitungsleistung, was Foley-Künstler dazu zwang, ihre Workflows anzupassen. Anfang der 2000er Jahre konnten Systeme wie Pro Tools HD jedoch Hunderte von Tracks mit Echtzeit-Effektverarbeitung verarbeiten, was es ermöglichte, komplexe Soundscapes in einer einzigen Sitzung zu erstellen. Moderne Foley-Suiten integrieren digitale Aufnahmen mit Videowiedergabesystemen, die sofortige Cue-Markierung und Zeitcode-Synchronisation ermöglichen.

Der Hybrid-Ansatz

Modernes Sounddesign verbindet Foley oft mit synthetisierten Effekten und Bibliotheksaufnahmen. Zum Beispiel könnte der Klang eines Lichtschwerts eine Live-Aufnahme eines Filmprojektormotors mit einem synthetisierten Summen und einem Foley-Messer-Schnitt kombinieren. Dieser hybride Ansatz stellt sicher, dass Sounds eine organische, menschliche Qualität behalten und gleichzeitig das spezifische Gewicht und die Textur erreichen, die der Regisseur benötigt. Die besten Foley-Künstler sind heute sowohl einfallsreiche Requisitenmeister als auch erfahrene digitale Redakteure.

Der hybride Workflow beginnt normalerweise mit einer Spotting-Sitzung, bei der der Regisseur und das Soundteam jedes Soundereignis im Film identifizieren. Foley-Künstler führen dann die Live-Elemente auf und nehmen sie auf, die von Sound-Editoren bearbeitet und synchronisiert werden. Digitale Schichten werden hinzugefügt, um die rohen Foley-Aufnahmen zu verbessern oder zu transformieren. Eine einzelne Szene könnte fünf oder sechs Iterationen durchlaufen, bevor der endgültige Mix genehmigt wird, wobei jeder Durchgang das Gleichgewicht zwischen organischen und synthetischen Elementen verfeinert.

Einer der Hauptvorteile des hybriden Ansatzes ist die Fähigkeit, Klänge zu erzeugen, die sich vertraut und jenseitig anfühlen. Für Science-Fiction- und Fantasy-Filme beginnen Foley-Künstler oft mit erkennbaren alltäglichen Klängen und verarbeiten sie dann digital, bis sie etwas Neues werden. Der Klang einer Raumschifftür könnte als Aufnahme einer Kühlschrankverriegelung beginnen, die mit Druckluft geschichtet und pitchverschoben ist, um ein Gefühl von massivem Gewicht zu erzeugen. Diese Technik, bekannt als &# 8220; Sounddesign durch Subtraktion, &# 8221; ermöglicht es dem Publikum, sich mit fantastischen Elementen auf einer unterbewussten Ebene zu verbinden.

Zeitgenössischer Foley ist ebenso viel über kreative Problemlösung, wie es über technische Präzision ist. Künstler experimentieren routinemäßig mit unkonventionellen Materialien, um einzigartige Klänge zu erzielen - mit Sellerie-Stielen, um Knochen zu brechen, Eisblöcke für das Knirschen von Schnee oder nassen Papiertüten für Squishes. Hochauflösende Mikrofone und 48-Track-Aufnahme-Setups erfassen jede Nuance, während Foley-Bühnen mit mehreren Oberflächenzonen (z. B. Sand, Kies, Wasser, Marmor) für sofortige Szenenwechsel gebaut sind.

Moderne Foley-Künstler profitieren auch von fortschrittlichen Überwachungssystemen. In-Ear-Monitore und drahtlose Headsets ermöglichen es ihnen, ihre Aufführungen im Kontext mit den anderen Audioelementen des Films zu hören, was es einfacher macht, Level und Timing zu kombinieren. Einige Studios verwenden Motion-Capture-Technologie, um Foley-Aufführungen automatisch mit Charakterbewegungen zu synchronisieren, obwohl die meisten Künstler die traditionelle Methode bevorzugen, den Bildschirm zu sehen und live zu performen.

Die physischen Anforderungen von Foley haben mit der Technologie nicht abgenommen. Ein typischer Arbeitstag könnte Stunden des Gehens, Laufens, Springens und Fallens auf verschiedenen Oberflächen beinhalten, oft während man mehrere Requisiten gleichzeitig manipuliert. Foley-Künstler entwickeln spezielle körperliche Konditionierung, um Konsistenz über mehrere Takes hinweg zu erhalten. Viele trainieren in Bewegungsdisziplinen wie Tanz oder Kampfkunst, um ihr Körperbewusstsein und Timing zu verbessern.

Die Rolle von Foley in verschiedenen Genres

  • Horror: Subtile Foley – wie das Knarren einer Treppe oder das Flüstern eines Stoffs – erzeugt Spannung und Unbehagen. Die Abwesenheit von Klang wird oft durch einen plötzlichen, lauten Effekt unterbrochen. Foley-Künstler arbeiten in Horrorfilmen eng mit Komponisten zusammen, um Spannung durch Klang zu erzeugen, oft mit unregelmäßigen Rhythmen und unerwarteten Klangfarben, um das Publikum aus dem Gleichgewicht zu bringen.
  • Aktion: Sprengstoffschläge, Schüsse und Fahrzeugunfälle erfordern sowohl realistische als auch übertriebene Elemente. Foley-Künstler verwenden oft eine Mischung aus Live-Requisitenbruch und digitaler Verbesserung. Der Schlüssel ist, dass sich jeder Schlag schwer und folgenreich anfühlt, indem sie Klangschichten verwenden, um die Physik des Aufpralls zu vermitteln.
  • Animation: Foley muss mit übertriebenen visuellen Stilen übereinstimmen. Künstler nehmen energiegeladene, stilisierte Bewegungen auf, um Cartoonfiguren zum Leben zu erwecken. Animationsfilme benötigen oft mehr Foley pro Minute als Live-Action, da jede Geste und Bewegung so gestaltet ist, dass sie Persönlichkeit durch Klang vermitteln.
  • Drama: Subtile Foley schafft Intimität und emotionale Tiefe. Der Klang eines Charakters, der atmet, sich in seinem Sitz verschiebt oder ein empfindliches Objekt handhabt, kann innere Zustände ohne Dialoge offenbaren. Drama beruht auf der Nuance der Leistung und nicht auf einem Spektakel.
  • Komödie: Das Timing ist alles. Foley-Künstler verwenden präzise rhythmische Platzierungen und übertriebene Texturen, um komödiantische Momente zu verstärken. Ein perfekt getimter Squish oder Bonk kann ein Witzland härter machen als jeder Dialog.
  • Virtual Reality und Videospiele: Interaktives Audio erfordert eine Foley-Integration in Echtzeit. Künstler erstellen Sound-Assets, die auf Spieleraktionen reagieren, wobei oft kinematische Modelle verwendet werden, um Dauerton zu simulieren.

Interaktive Medien und Echtzeit-Foley

Mit dem Aufstieg von Virtual Reality (VR), Augmented Reality (AR) und immersivem Gaming hat Foley sich über den linearen Film hinaus entwickelt. Sounddesigner bauen jetzt prozedurale Foley-Systeme, die Schritte oder materielle Interaktionen basierend auf Physik-Engines erzeugen. Dies stellt neue Herausforderungen dar: Sounds müssen dynamisch, nicht wiederholend und an unvorhersehbares Benutzerverhalten angepasst sein. Einige Studios beschäftigen engagierte Foley-Künstler, die während VR-Erfahrungen live auftreten, um das Eintauchen zu verbessern.

Echtzeit-Foley-Systeme verwenden Middleware wie Wwise oder FMOD, um Sound-Assets basierend auf Spielereignissen auszulösen. Zum Beispiel erzeugt ein Charakter, der auf Schotter läuft, unterschiedliche Sounds, abhängig von der Bewegungsgeschwindigkeit, dem Winkel des Fußes und der Art des Kieses. Foley-Künstler nehmen Dutzende von Variationen für jedes Material auf, die dann algorithmisch gemischt werden, um nahtloses, natürlich klingendes Audio zu erzeugen. Dieser Ansatz erfordert eine andere Denkweise als linear Foley, da der Künstler in Bezug auf Systeme und Wahrscheinlichkeiten denken muss und nicht in Bezug auf feste Signale.

Die wachsende Popularität von immersivem Theater und ortsbasierter Unterhaltung hat auch neue Möglichkeiten für Live-Foley-Auftritte geschaffen. Einige Produktionen kombinieren Foley-Künstler mit Live-Musikern, um Echtzeit-Soundlandschaften zu schaffen, die auf die Bewegung und Interaktion des Publikums reagieren. Diese Hybrid-Auftritte verschmelzen die Spontaneität des Theaters mit der Präzision des Filmsounds und verschieben die Grenzen dessen, was Foley erreichen kann.

Auswirkungen auf die Audience Experience und das Storytelling

Effektiver Foley ist unsichtbar – Zuschauer bemerken ihn selten, aber seine Abwesenheit wird sofort spürbar. Ein gut platzierter Schritt kann das Gewicht und die Stimmung eines Charakters bestimmen; das Rascheln eines Mantels kann Stealth oder Dringlichkeit vermitteln. Foley begründet fantastische Szenen in der physischen Realität, wodurch das Unmögliche plausibel wird. Studien in der Filmpsychologie zeigen, dass kongruente Klangeffekte die emotionale Erregung und Gedächtnisspeicherung erhöhen, was Foley zu einem Schlüsselwerkzeug für narratives Engagement macht.

Betrachten Sie den ikonischen Sound des T-Rex in Jurassic Park. Dieses Gebrüll war ein Komposit aus einem Babyelefanten, einem Tiger und einem Alligator, gemischt und verarbeitet von Foley-Künstlern. Ohne diesen viszeralen Klang hätte der Dinosaurier weit weniger Einfluss. In ähnlicher Weise kann der intime Klang eines Flüsterns in einer ruhigen Szene Intimität oder Angst erzeugen, je nach Kontext.

Foley spielt auch eine entscheidende Rolle bei der Etablierung räumlicher Beziehungen innerhalb einer Szene. Der Klang von Schritten, die in einem großen Saal widerhallen, im Vergleich zu den gedämpften Fußstapfen auf dem Teppich zeigt dem Publikum, wo die Handlung ohne eine einzige Aufnahme stattfindet. Diese räumlichen Informationen werden unbewusst verarbeitet, so dass sich das Publikum auf die Geschichte konzentrieren kann, während es wesentliche Umweltsignale absorbiert. In Horrorfilmen kann Foley ein Gefühl von Off-Screen-Raum erzeugen, der das Publikum die Anwesenheit einer Bedrohung spüren lässt, bevor sie auf dem Bildschirm erscheint.

Bemerkenswerte Foley-Künstler und ihre Beiträge

Mehrere Foley-Künstler sind zu Legenden auf dem Gebiet geworden und beeinflussen Generationen von Sounddesignern. Jack Foley bleibt der Namensvetter, aber andere wie Alan Splet (bekannt für seine Arbeit mit David Lynch) sprengte die Grenzen des abstrakten Foley. Randy Thom kombiniert Foley mit Umwelt-Aufnahmen für Filme wie Die Thin Red Line. Gary Hecker (häufig nicht gutgeschrieben aufgrund von gewerkschaftsregeln) zu unzähligen blockbustern beigetragen, darunter. Star Wars und Indiana JonesIhre kollektive Arbeit zeigt, dass Foley nicht nur ein Handwerk ist – es ist eine kreative Performance-Kunst.

John Roesch und Mary Helen Leasman gehören zu den berühmtesten zeitgenössischen Foley-Künstlern, mit Credits, die jahrzehntelange große Hollywood-Produktionen umfassen. Roesch, ein betreuender Foley-Künstler bei Skywalker Sound, hat an Filmen gearbeitet, die von Jurassic Park bis AvatarSein Ansatz betont die emotionale Wahrheit des Klangs und fragt oft Regisseure, was sie vom Publikum erwarten. Gefühl in einer Szene, bevor sie sich auswählte, welche Requisiten sie benutzen sollten. Der Herr der Ringe Trilogie, entwickelte innovative Techniken, um die Klänge von Rüstungen, Pferden und fantastischen Kreaturen mit alltäglichen Gegenständen zu erzeugen.

Frauen waren maßgeblich daran beteiligt, Foley als eine bestimmte Disziplin zu gestalten. Vanessa Theme Ament, Autor von Der Foley Gralhat die Geschichte und Techniken des Handwerks dokumentiert und gleichzeitig als Foley-Künstler in Filmen wie Die Passion des Christus. Ihre Arbeit hat dazu beigetragen, Foley von einem Kunsthandwerk hinter den Kulissen zu einer anerkannten Kunstform zu machen, die es wert ist, akademisch studiert zu werden. Heute ist die Foley-Community global, mit Künstlern, die in jedem großen Filmproduktionszentrum von Mumbai bis Wellington arbeiten.

Die Zukunft von Foley: AI und Automatisierung

Mit zunehmender künstlicher Intelligenz sagen einige voraus, dass Foley teilweise automatisiert sein könnte. KI-Tools können bereits Schritte und Auswirkungen aus Beispielbibliotheken synthetisieren. Die meisten Sounddesigner sind sich jedoch einig, dass die Nuance, Spontaneität und emotionale Intelligenz eines menschlichen Foley-Künstlers nicht vollständig repliziert werden können. Die körperliche Leistung - das genaue Gewicht eines Schrittes, das subtile Zögern eines Türgriffs - entsteht durch Empathie mit der Psychologie des Charakters. Automatisierung kann sich wiederholende Aufgaben bewältigen, aber die Kunst wird menschlich zentriert bleiben.

Neue Technologien wie binaurale Aufnahmen und objektbasiertes Audio bieten ebenfalls Möglichkeiten. Foley für räumliches Audio erfordert, dass Klänge positionsgenau aufgenommen werden, was das Gefühl der Präsenz erhöht. Da Theater und Heimsysteme immersive Formate wie Dolby Atmos annehmen, müssen Foley-Künstler dreidimensional denken und Effekte in ein 360-Grad-Soundfeld platzieren.

Machine Learning-Tools beginnen bei den mühsameren Aspekten der Foley-Produktion zu helfen. KI kann automatisch Schritte mit der Charakterbewegung synchronisieren, Variationen eines aufgenommenen Sounds erzeugen oder Requisitenkombinationen basierend auf Szenenbeschreibungen vorschlagen. Einige Studios experimentieren mit generativer KI, um völlig neue Klangtexturen von Grund auf neu zu erstellen. Aber diese Werkzeuge bleiben eher Assistenten als Ersatz, die Routineaufgaben erledigen, während Foley-Künstler sich auf die kreativen Entscheidungen konzentrieren, die einem Film seine einzigartige klangliche Identität verleihen.

Der Aufstieg von Remote-Collaboration-Tools hat auch die Art und Weise verändert, wie Foley produziert wird. Während der COVID-19-Pandemie haben sich viele Foley-Künstler an die Arbeit von zu Hause aus angepasst und tragbare Aufnahme-Setups entwickelt, die Audio in professioneller Qualität in Wohnräumen aufnehmen können. Diese Flexibilität hat sich fortgesetzt, da einige Produktionen jetzt verteilte Teams von Foley-Künstlern verwenden, die von verschiedenen Standorten aus zu einem einzelnen Projekt beitragen. Cloud-basierte Collaboration-Plattformen ermöglichen es Regisseuren und Sound-Editoren, Foley-Auftritte aus der Ferne zu überprüfen und zu genehmigen, wodurch der Bedarf an teurer Studiozeit reduziert wird.

Schlussfolgerung

Von Jack Foleys bescheidenen Anfängen auf einer stillen Bühne bis hin zu den anspruchsvollen digitalen Studios von heute hat sich Foley-Kunst kontinuierlich weiterentwickelt, während sie ihrem Kernzweck treu geblieben ist: Geschichten realer zu machen. Technologie hat die Palette erweitert, aber die Seele von Foley bleibt die menschliche Note - die intuitive Synchronisation von Klang und Emotion. Während Kino und interaktive Medien sich weiter verändern, wird Foley sich anpassen, aber seine grundlegende Rolle bei der Überbrückung der Lücke zwischen Bild und Vorstellungskraft ist zeitlos.

Die nächste Generation von Foley-Künstlern steht vor Herausforderungen und Chancen. Sie müssen traditionelle Techniken beherrschen, indem sie neue Technologien nutzen, effizient mit knapperen Budgets und Zeitplänen arbeiten und immersive Klanglandschaften für immer komplexere Medienformate schaffen. Das Handwerk erfordert technische Fähigkeiten, körperliche Ausdauer und vor allem ein tiefes Verständnis dafür, wie Klang menschliche Emotionen formt. Foley-Künstler sind nicht nur Soundmaker, sie sind Geschichtenerzähler, die im Medium Audio arbeiten und ihre Kunst nutzen, um jede filmische Welt real genug zu machen, um hineinzugehen.

Für weitere Lektüre über die Geschichte und Techniken von Foley, siehe die Wikipedia-Artikel über Foley. Für Einblicke in moderne Foley-Praktiken, erkunden Sie Ressourcen wie SoundWorks Sammlung und die American Cinematograph &# 8217;s Abdeckung von Sound DesignFür diejenigen, die sich für die technischen Aspekte von Sound für interaktive Medien interessieren, ist die Audiokinetische Wwise-Dokumentation bietet umfassende Anleitungen zur Echtzeit-Audio-Implementierung. Für einen tieferen Einblick in die Psychologie des Klangs im Kino, die Forschung veröffentlicht von Taylor & amp; Francis auf Film Sound Studies bietet akademische Perspektiven auf, wie Foley Publikum Wahrnehmung und emotionale Reaktion beeinflusst.