Introducción

La evolución de las etapas de Foley refleja el arco más amplio de la innovación cinematográfica. Desde los primeros intentos de sincronizar el sonido con imágenes móviles hasta los paisajes digitales hiper-realistas actuales, los espacios donde se crean efectos sonoros han sufrido una transformación dramática. Las etapas de Foley ya no son sólo habitaciones con unos pocos propulsores; son entornos altamente diseñados que permiten a los artistas crear los sonidos sutiles orgánicos que hacen creer al público en el artículo en la técnica de la traza.

¿Qué es una Foley Stage?

Un escenario de Foley es un estudio de sonido dedicado diseñado para el rendimiento en vivo y la grabación de efectos de sonido sincronizados a la imagen. A diferencia de un estudio de grabación tradicional, un escenario de Foley incluye una variedad de superficies (concreto, grava, madera, alfombra) conocida como “pitos” o "Caminos", una variedad de propulsores y micrófonos especializados que pueden capturar tanto el detalle como el carácter espacial de cada sonido. La etapa es tratada acústicamente para minimizar las reflexiones no deseadas preservando al mismo tiempo el ambiente natural necesario para efectos creíbles.

El nombre “Foley” proviene de Jack Foley, un pionero de sonido que desarrolló la técnica en los años veinte mientras trabajaba en Universal Studios. Lo que comenzó como una operación de un solo hombre — Jack caminaría en fosos de grava mientras miraba una proyección de película— se ha convertido en una artesanía que emplea a decenas de artistas e ingenieros en las principales producciones de películas.

Para una mirada más profunda a lo que hace un moderno escenario de Foley, el FilmSound Foley Primer ofrece una excelente visión general de los equipos y técnicas involucrados.

La Era Clenta y el Nacimiento del Sonido

En la era de la película silenciosa, las películas eran algo menos silencioso — fueron acompañadas por música en vivo, efectos sonoros generados manualmente detrás de la pantalla, e incluso actores leyendo el diálogo. El cantante de Jazz debutó en 1927, trayendo sonido sincronizado a las masas, los cineastas se enfrentaron a un nuevo desafío: cómo hacer que el audio se sienta tan real como las imágenes.

Las primeras etapas sonoras eran crudas. Las paredes estaban cubiertas con tejido grueso para hacer ecos de la mufla, y los micrófonos eran unidireccionales y a menudo colocados en posiciones incómodas. Los actores tenían que permanecer quietos porque cualquier movimiento creó el ruido distraído de los trajes de oxidación. Para crear pasos, los tramos caminaban sobre bandejas de suciedad o de fondo grave, pero el tiempo se apagaba y los sonidos raramente se ajustaban a la acción obvia.

Los estudios comenzaron a construir salas insonorizadas dedicadas con equipos de grabación básicos. Estas primeras etapas de efectos de sonido permitieron que varios micrófonos capturaran diferentes perspectivas, pero la sincronización seguía siendo un obstáculo importante. El sonido se grabó en pistas de película óptica que corrían junto a la imagen, por lo que cualquier error significaba comenzar la escena desde cero. Esta ineficiencia provocó la búsqueda de una mejor manera: una búsqueda que Jack Foley pronto respondería.

La Emergencia de los Artistas Foley

Jack Foley trabajaba como un esturnista y subdirector cuando Universal le pidió que ayudara a mejorar el sonido de una película llamada Mostrar barco (1929). Descubrió que al grabar sonidos mientras veía la película correr a una velocidad constante, podía coincidir perfectamente con el tiempo. Su técnica era simple pero revolucionaria: usaba un micrófono, un bucle de película y una colección de objetos cotidianos. Se extendía la palabra y pronto “Efectos de alimentos” se convirtió en práctica estándar.

En los años 30 y 1940, artistas de Foley como John “Jack” Donovan en el Reino Unido y Warren Hamilton En los Estados Unidos refinaron la artesanía. Construyeron estudios especializados con fosos llenos de diferentes materiales: arena para paseos del desierto, baldosas rotas para escombros, tablones de madera para suelos de madera. Las propas fueron organizadas en armarios — coco para pezones de caballo, guantes de cuero para alas de pájaro, tallos de apio para roturas de hueso.

Para entender las exigencias físicas de esta obra, considere que una sola escena podría requerir que el artista pase por minutos a la vez, mientras que el peso de tacón a dedo para que coincida con el paso del actor. Los artistas de Foley se convierten en maestros de la sincronización y sutileza. Las primeras etapas de Foley fueron calamizadas, calientes y técnicamente primitivas, pero sentaron la base para una forma de arte que todavía se basa en el rendimiento humano.

Avances tecnológicos en las etapas de Foley

Durante los años 50 y 1960, la cinta magnética sustituyó la grabación de la pista óptica, permitiendo que los sonidos se grabaran, almacenaran y editaran más fácilmente. Puertas de ruido y ecualizadores dio a los ingenieros más control, mientras Grabación multi-track que suene la capa — pasos en una pista, la ropa se frota en otra— y los ajuste de forma independiente.

La arquitectura de estudio también evolucionaba. La etapa clásica de Foley de los años 70 presentaba una pantalla central de proyección, una variedad de fosos y un amplio escritorio de mezcla situado detrás de una ventana de vidrio. La habitación fue construida con suelos flotantes y paredes insonorizadas para evitar vibraciones del resto del edificio. Las colecciones Prop se expandieron para incluir docenas de tipos de zapatos, telas y puertas de contenedores para líquidos.

Uno de los mayores cambios vino con la introducción de sistemas de sincronización como SmartSlave (más tarde utilizado con el Nagra) y código de tiempo.Estos artistas de Foley pudieron trabajar con reproducción de vídeo, lo que permitió ver la película en una pantalla mientras grababa, sin el riesgo de variaciones de velocidad.Esto liberaba a los artistas de las limitaciones de tener que correr la película a una velocidad fija, podían pausar, rebobinar y refinar pequeñas acciones con precisión de punta.

La Revolución Digital

La llegada de estaciones de audio digital (DAWs) en los años noventa —especialmente Pro Tools— transformó las etapas de Foley para siempre. La necesidad de inmediatamente cometer un sonido a una pista; en lugar de eso, los artistas podían grabar múltiples tomas, comprimirlas y editar con precisión quirúrgica. Tiempo de estiramiento y lanzamiento-desplazamiento permite que los sonidos sean manipulados sin perder calidad, y plug-ins proveía reverbio ilimitado y opciones EQ que una vez requerido el equipo fuera de la tabla costando decenas de miles de dólares.

Digital Foley también dio lugar a “Florida virtual” —la capacidad de crear efectos de sonido utilizando una computadora que imita la acústica de una etapa física. Mientras los puristas argumentan que sólo los objetos reales producen la inconsistencia natural necesaria para la película, muchas producciones modernas mezclan Foley con sonidos sintetizados o muestreados. Por ejemplo, una puerta de nave espacial de ciencia ficción podría usar una grabación de un pistón hidráulico real procesado a través de un sintetético granular.

Las etapas modernas de Foley están diseñadas ahora como entornos híbridos. Una configuración típica incluye un gran monitor de vídeo o superficie de proyección, un mezclador digital, un DAW con grabación multi-track, y una variedad de micrófonos que van desde pequeños lavaliers para sonidos delicados de tela a condensadores de grandes diafragmas para grandes impactos. multicanal de capacidad de envolvente para que los sonidos se puedan colocar precisamente en una mezcla de 5.1 o 7.1.

Para ver dentro un estudio de Foley de última generación, echa un vistazo este recorrido por la colección SoundWorks de Skywalker Sound's Foley, que muestra el alto nivel de ingeniería acústica implicada.

Moderno diseño de la escena de Foley

Construir una etapa moderna de Foley es un complejo desafío de ingeniería. acústicamente muerto — significa que tiene reverbio mínimo — porque cualquier eco natural se opondría al reverbio de la escena de la película. Esto se logra a través de una fuerte insonorización, a menudo utilizando múltiples capas de paredes secas con vacíos de aire, suelos flotantes, paneles acústicos o trampas de bajo. El objetivo es capturar sólo el sonido del propulsor, no la habitación en sí.

Debajo de los pies del artista, el escenario cuenta con una serie de pits — secciones extraíbles que exponen diferentes superficies. Los pozos comunes incluyen:

  • Concreto o azulejo: para escenas de ciudad cubiertas, suelos de mármol, aceras
  • Planchas de madera: para suelos de madera, suelos de escenario
  • Grava o arena: para paseos al aire libre, autopistas, playas
  • Hierro o barro: para las escenas rurales, terreno húmedo, caminos forestales
  • Alfombra o césped: para céspedes, campos, campos de golf
  • Asfalto: para sonidos callejeros y de carretera
  • Cuenca del agua: para salpicaduras, desperdicio, agua goteante

Las habitaciones son a menudo enormes, conteniendo cientos de artículos organizados por tipo de sonido: puertas, ventanas, cadenas, cristalería, armas, telas, artículos de comida, y más. Muchos artistas de Foley construyen sus propias props personalizadas, un par de botas con suelas personalizadas, una chaqueta de cuero con cremalleras, o una caja llena de diferentes tipos de cereales para simular lluvia.

La colocación del micrófono es también un arte. Para pasos, un micrófono se coloca normalmente bajo cerca del suelo (pero fuera de la zona de huelga) para capturar la textura de la superficie. Para los rustles de tela, un pequeño micrófono omnidireccional se oculta a menudo dentro de la ropa o se mantiene cerca del tejido. Para grandes impactos, un par estéreo se puede utilizar para capturar el ancho.

También debemos mencionar la importancia de sincronización. El artista Foley observa la escena en una pantalla de vídeo grande, a menudo con una pantalla de código de tiempo. El sistema de grabación coloca automáticamente cada nuevo tomar en sincronía con la imagen, pero todavía requiere que el artista golpee la acción en el marco exacto. Los artistas de la habilidad pueden coincidir no sólo con el momento, sino también con el intensidad del movimiento — un paseo cansado, un arbusto nervioso, un paso seguro.

El arte de Foley: Técnicas y Creatividad

Foley no se trata sólo de reproducir sonidos; se trata de interpretarlos. Una puerta que cierra en un thriller puede necesitar sonar ominoso, por lo que el artista podría arrastrar una cadena pesada a través de la madera antes de los clics de la venda. Un beso podría ser creado chupando en la parte posterior de una mano. Un fuego crackle puede ser sintetizado por la gruñón de la célula y moler una botella de vidrio contra una superficie dura.

Algunos trucos clásicos de Foley incluyen:

  • Pasos en la nieve: almidón de maíz empacado en una bolsa de tela y apretado
  • Caballos: mitades de coco llenos de diferentes materiales para duro vs. suelo suave
  • Bonos de bonificación: aceitos o pasta seca para huesos más pequeños
  • Punches: abofeteando una correa de cuero mojado contra una pila de toallas
  • Lluvia: un riego real en varias superficies, o un tambor giratorio lleno de frijoles secos
  • Carne de corazón: un puño que se agita en una protrema cubierta de espuma, o un micrófono colocado en un pecho
  • Dibujos de espada: un regla de metal raspado a lo largo de un cajón de la caja de archivos

La Foley más cinematográfica a menudo implica combinar múltiples capas. Por ejemplo, un personaje caminando sobre hojas puede consistir en los pasos mismos (grabado en un foso de hojas secas) más un sutil rusto de tela (la chaqueta del actor) y tal vez un ruido de baja frecuencia (el impacto del zapato en el suelo). Estas capas se registran por separado o simultáneamente en pistas separadas, luego mezcladas para crear una textura coherente.

Foley artistas también trabajan en movimiento de tela, que es uno de los aspectos más subestimados del diseño de sonido. Cada vez que un actor se mueve, su ropa cambia de forma — diapositivas, estiramientos de tela, botones clic. En una escena de diálogo silencioso, incluso un pequeño manto de tela puede sonar artificial si está mal grabado. Los artistas de foley se re-graban meticulosamente estos sonidos usando el mismo tejido (o un sustituto cercano) mientras observan el marco de movimiento del actor.

Foley vs. Sound Effects Libraries

Con el aumento de las bibliotecas de sonido en línea que contienen millones de efectos pregrabados, se podría preguntar: ¿por qué ir al problema de crear sonidos viven en una etapa de Foley? autenticidad y sincronización.

Los efectos de la biblioteca son genéricos —pueden funcionar bien para una escena pero raramente coinciden con el peso, la textura y el momento específico de la acción en pantalla. Foley, por contraste, está personalizado. El artista observa el rendimiento exacto y responde a las sutiles variaciones en el movimiento. Una biblioteca de pasos puede tener una docena de opciones para “caminar sobre grava”, pero Foley puede capturar el ritmo único de la apuesta de un actor en esa escena en particular.

Además, Foley proporciona una sensación de rendimientoEl elemento humano —la ligera inconsistencia, el cambio de peso, el aliento antes de un salto— añade una capa de believabilidad que ningún algoritmo puede replicar. Muchos diseñadores de sonido combinan Foley con efectos de biblioteca, pero a menudo utilizan Foley como la base porque se siente “vivido”.

Para una perspectiva profesional sobre cuándo elegir los sonidos de Foley contra biblioteca, Guía de iZotope a Foley ofrece valiosas ideas de veteranos de la industria.

La importancia de Foley en el cine moderno

Las etapas de Foley siguen siendo una parte vital de la industria cinematográfica, incluso a medida que los presupuestos y la tecnología cambian. En películas de acción de gran presupuesto, Foley proporciona los sonidos viscerales, de puesta en tierra de golpes, accidentes y persecuciones. En dramas silenciosos, proporciona la intimidad de un cierre de la puerta o el peso emocional de los pasos de un personaje que se acerca.

Considere la película Mad Max: Fury Road (2015), que dependía mucho de Foley para hacer que el paisaje desolado se sintiera vivo. Cada grieta de neumáticos, cada trucha de metal, cada paso en la arena fue realizado por artistas de Foley trabajando en una etapa que incluía un interior de coche de tamaño completo y fosos de arena del desierto. El resultado fue un paisaje sonoro que se sentía crudo e inmediato, contribuyendo tanto a la energía de la película como a la imagen.

Las películas independientes también se benefician de Foley. Debido a que Foley puede ser grabado en un pequeño estudio con equipo mínimo, ofrece una manera rentable de añadir efectos de sonido de alta calidad sin el gasto de un equipo de diseño de sonido completo. Una pista de Foley bien ejecutada puede elevar una película de bajo presupuesto a un nivel profesional, ayudando a competir con producciones más grandes.

Más allá del cine, Foley se utiliza ampliamente en televisión, videojuegos e incluso realidad virtual. En VR, el sonido es crucial para la inmersión — y Foley (ya sea grabado o realizado en directo) ayuda a reforzar el sentido de la presencia física. Los principios de la sincronización y la autenticidad material transfieren directamente desde la etapa de cine al reino digital.

El futuro de Foley

¿Qué hay por delante para las etapas de Foley? Inteligencia artificial y machine learning están empezando a influir en el diseño de sonido, con herramientas que pueden generar pasos realistas o sonidos de tela desde un impulso de texto. Sin embargo, la mayoría de los profesionales creen que AI aumentará en lugar de reemplazar a Foley humano. El matiz de rendimiento — la leve arrastración de un pie, la vacilación antes de un golpe— sigue siendo difícil de modelar convincentemente.

Otra tendencia es la miniaturización con el aumento de estudios de casa y la colaboración remota, muchos artistas de Foley ahora trabajan desde pequeñas configuraciones portátiles. Utilizan mantas acústicas, foles plegables y grabaciones basadas en ordenador portátiles. Aunque estos no pueden coincidir con la acústica de un escenario construido a propósito, permiten una mayor flexibilidad y menores costos.

La realidad virtual y el audio espacial también presentan nuevos desafíos. binaural de la cabeza sonido, donde el movimiento de la cabeza del oyente cambia la posición percibida del sonido. Esto requiere técnicas de micrófono más precisas y a menudo múltiples tomas desde diferentes ángulos para crear un paisaje de sonido 3D que responda en tiempo real.

Finalmente, podemos ver una mayor integración de audio de procedimiento — donde los sonidos son generados por software que responde a simulaciones físicas. Por ejemplo, un personaje caminando sobre diferentes superficies en un juego puede producir cambios en tiempo real Foley sin archivos pregrabados. Sin embargo, incluso aquí, la referencia para lo que los sonidos “real” generalmente proviene de grabaciones hechas en etapas reales de Foley.

Conclusión

Desde el humilde foley hasta las etapas multimillonarias de los estudios modernos, la etapa de Foley ha reflejado la incesante búsqueda del realismo de la industria cinematográfica. La tecnología ha cambiado las herramientas, reemplazando la película óptica con DAWs y agregando capacidades de sonido envolvente, pero el principio fundamental sigue siendo el mismo: un ser humano, armado con objetos cotidianos, utiliza el tiempo y la creatividad para hacernos creer que estamos escuchando el mundo en pantalla.

La evolución de las etapas de Foley está lejos de terminar. A medida que emergen nuevas plataformas de medios y los públicos exigen experiencias cada vez más inmersivas, el arte de Foley seguirá adaptándose. Sin embargo, no importa lo avanzado que se haga el software, la magia de un paso bien colocado, una puerta de arrugado o un fuego de agrietamiento siempre comenzará con un sonido — y el escenario donde se hizo.