La naissance de la musique électronique dans les années 1970

Avant la décennie, le son électronique existait surtout dans les cercles universitaires et les compositions d'avant-garde. Mais l'arrivée de synthétiseurs abordables et de machines à tambour a transformé l'expérimentation isolée en un genre à part entière. Le synthétiseur Moog, développé par Robert Moog à la fin des années 1960 et affiné tout au long des années 1970, a donné aux musiciens le contrôle pratique sur les formes d'onde, les filtres et les enveloppes.

Des artistes comme kraftwerk de l ' Allemagne et Jean-Michel Jarre de France est devenu trailblazers. Autobain Les synthétiseurs et percussions électroniques ont été utilisés pour créer des rythmes hypnotiques et motoriks qui imitaient les déplacements sur route. Oxygène (1976) devient un best-seller mondial malgré l'absence de paroles, prouvant que la musique électronique purement instrumentale peut atteindre le public de masse. Entre-temps, les compositeurs travaillant avec la musique concrète et la musique, pionniers de Pierre Schaeffer et Pierre Henry, continuent à expérimenter des sons trouvés et des enregistrements manipulés.

Les principaux développements techniques de cette période comprenaient l'utilisation de séquenceurs, ce qui permettait de programmer et de répéter les schémas de notes. EMS Synthi A et les ARP 2600 Les synthétiseurs sont devenus des pièces de base de studio. Wendy Carlos a démontré la viabilité commerciale des synthétiseurs avec son album Bach allumé (1968), qui vend des millions d'exemplaires et remporte trois Grammy Awards. Les années 1970 sont un laboratoire de son électronique, où la vision artistique rencontre la technologie émergente et produit un nouveau langage musical.

Les années 1980 : Synthpop, Nouvelle vague et révolution numérique

Les années 80 ont introduit la musique électronique dans le courant général. MOYENNE En 1983, le protocole (Musical Instrument Digital Interface) a été un moment de transformation. Pour la première fois, les synthétiseurs, les machines à tambour et les ordinateurs pouvaient communiquer entre eux en utilisant un langage normalisé.

Synthpop est devenu le son dominant de la décennie. Mode Dépeche, Duran Duran, La Ligue des hommeset Magasins de animaux de compagnie Les chansons accrocheuses et mélodiques avec synthétiseurs au cœur. Le son sombre et broyant de Depeche Mode sur des albums comme Violateur (1990) ont poussé la gamme émotionnelle de la musique électronique, tandis que la production brillante de Duran est devenue synonyme de glamour des années 1980. Nouvel ordre, émergeant des cendres de Joy Division, fusionne des guitares post-punk avec des machines à tambour, créant un plan pour de nombreux actes électroniques à suivre.

La technologie a continué d'évoluer. Yamaha DX7, sorti en 1983, est devenu l'un des synthétiseurs les plus vendus de tous les temps avec son son distinctif de synthèse FM. Roland TR-808 et TR-909 Les machines à tambour, bien que d'abord des échecs commerciaux, sont devenues légendaires pour leurs coups de poing et leurs pièges. Ces machines ont défini le son du hip-hop, de la maison et de la techno dans les décennies à venir. maison acide à Chicago, animé par le son scuelching du synthétiseur Roland TB-303. Ce mouvement souterrain a planté les graines de la culture de la danse mondiale qui fleurirait dans les années 1990.

Les années 1990 : culture de la maison, de la techno et de la transe

Les années 1990 furent une ère dorée pour la musique électronique, définie par l'explosion des scènes de musique de danse à travers le monde. La musique house, née à Chicago au début des années 1980, a évolué en un phénomène mondial. Frankie Knuckles, le «Parrain de la Maison», a posé les bases avec des rainures disco-influentes et des voix soulful. Larry entendu (aussi connu sous le nom de M. Fingers) a introduit une maison profonde avec ses textures jazzy et atmosphérique.

Détroit techno est apparu comme un homologue plus sombre et futuriste. Juan Atkins, Derrick Mayet Kevin Saunderson Des titres comme "Strings of Life" de Derrick May (1987) sont devenus des hymnes qui combinent rythmes funk avec mélodies synthétiques. Au-delà de l'Atlantique, le Royaume-Uni a embrassé la culture rave avec des bras ouverts. Deuxième été de l'amour En 1988-1989, des rassemblements de masse ont eu lieu dans des champs et des entrepôts, animés par l'utilisation de la maison acide et de l'ecstasy. breakbeat hardcore et après jungle et tambour et basse pousser les rythmes et les rythmes à de nouveaux extrêmes.

La musique de Trance a également pris de l'ampleur, notamment en Allemagne et aux Pays-Bas. Paul van Dyk, ATBet Porte cosmique Les structures mélodiques, de construction et de sortie, qui sont devenues des produits de base pour les clubs et les festivals. Parade de l'amour à Berlin a attiré des centaines de milliers de participants chaque année, transformant la musique électronique en une force culturelle avec sa propre mode, langue et rituels. Punk Daft sorti leur premier album Travail à domicile En 1997, mélangeant maison, funk et discothèque en un son cohérent qui influencerait les générations. Les frères chimiques et La Prodige a apporté un grand rythme aux masses, fusionnant production électronique avec énergie rock.

Cette décennie a également vu la naissance de IDM (musique de danse intelligente), avec des artistes comme Aphex Twin, Autechreet Conseils d'administration du Canada Leur travail a permis de trouver des auditoires en dehors du cadre du club, dans les salons et sur les écouteurs, en élargissant encore la définition de la musique électronique.

Les années 2000 : production numérique, explosion de sous-genres et distribution en ligne

Les années 2000 ont été le théâtre d'une explosion de sous-genres, les outils de production étant devenus plus abordables. postes de travail audio numériques (DAWs) comme Ableton Live, FL Studio et Logic Pro démocratise la production musicale. Toute personne avec un ordinateur portable pourrait créer des pistes de son professionnelle. Cette accessibilité a conduit à une vague de producteurs de chambres qui ont défini le son de la décennie.

Étape de la doublon Au début des années 2000, dans le sud de Londres, les basses-lignes, les rythmes à mi-temps et les arrangements clairsemés ont fait leurs preuves. La crème, Bengaet Mystikz numérique à la fin des années 2000, dubstep avait traversé la pop, avec Skrillex son titre "Scary Monsters and Nice Sprites" (2010) a remporté plusieurs Grammy Awards et a poussé la musique électronique dans les classements de Billboard.

Electro-maison aussi gagné la traction, avec des actes comme Deadmaou5, Wolfgang Gartneret Nourrir créer des pistes précises et synthisées qui remplissent les principales scènes du festival. Titre de l'album aléatoire (2008) et Faute d'un meilleur nom (2009) sont devenues des pierres de touche pour le genre. Houblon de paille émergeant des bords expérimentaux du breakbeat et du hip-hop, avec des producteurs comme Tupper et Jolies lumières manipulant l'audio de manière radicale.

La distribution numérique a changé l'industrie. Nuageur de son et Camp de bande a permis aux artistes indépendants de contourner les étiquettes de disques et d'établir des relations directes avec les fans. Beatport magasin est devenu le marché principal de la musique de danse électronique, offrant un vaste catalogue de morceaux dans tous les sous-genres. blog maison et lo-fi électronique des scènes, où les communautés en ligne ont organisé et promu des sons clandestins.

La fusion commerciale a prospéré. Punk Daft libéré Découverte en 2001, mélangeant maison avec disco et pop pour créer un album qui influencerait la production pop pendant des années. Björk intégrer des éléments électroniques dans son art-pop, tandis que Kanye Ouest célèbre échantillon de Daft Punk "Harder, Better, Faster, Stronger" sur son succès 2007 "Stronger", en reliant hip-hop et musique électronique dans un moment historique.

Les années 2010 : la culture du festival EDM et la domination mondiale

Les années 2010 ont vu la musique électronique atteindre son sommet commercial. EDM (Electronic Dance Music) est devenu un terme ménagère, animé par des festivals de taille milliardaire et des DJs superstars qui commandent des droits à six chiffres par performance. Demain en Belgique, Festival de musique ultra à Miami, et Carnaval électrique de Daisy À Las Vegas, des événements massifs ont vu le jour avec des décors élaborés, des feux d'artifice et des dizaines de milliers de participants. Ces festivals sont devenus des pèlerinages culturels pour les fans et ont créé une communauté mondiale autour de la musique électronique.

Des artistes comme Avicii, C'est Calvin Harris, David Guettaet Martin Garrix Les "Levels" (2011) d'Avicii sont devenus l'un des plus grands morceaux électroniques de tous les temps, mêlant maison progressive à un échantillon vocal accrocheur. Calvin Harris est apparu comme un hitmaker, produisant pour Rihanna, Sam Smith et Dua Lipa, fusionnant efficacement la musique de danse avec la production pop. Les collaborations de David Guetta avec des vedettes pop comme Snoop Dogg, The Black Eyed Peas et Kelly Rowland ont apporté EDM aux listes de lecture radio dans le monde entier.

La décennie a également vu la montée en puissance de basse future et maison tropicale- Oui. Flume sorti son premier album auto-titré en 2012, pionnier d'un son qui combine basse profonde, synthés scintillants, et vocaux. ODÉSZA Il en est de même pour la musique électronique cinématographique, riche et riche, qui attire à la fois les spectateurs et les auditeurs indisciplinés. Kygo popularisé maison tropicale avec ses pistes mélodiques, à l'aide de piano comme "Firestone" (2014), apportant une ambiance décontractée à la scène EDM haute énergie.

Les médias sociaux ont transformé les relations entre artistes et fans. Instagram, Twitteret Snapchat est devenu des outils essentiels pour la promotion, le contenu des coulisses et l'engagement direct. YouTube chaînes comme M.SuicideSheep, Monstercatet Des archives Devenus des gustateurs, ils ont cédé de nouvelles pistes à des millions d'abonnés. Services de streaming Comme Spotify et Apple Music ont déplacé l'industrie loin des téléchargements, les playlists curées devenant un moyen principal pour les auditeurs de découvrir de nouvelles musiques.

Des styles plus robustes ont également prospéré. Style dur, originaire des Pays-Bas, est devenu un phénomène mondial avec des festivals comme Défqon.1 et Taux de réponse en dessinant des foules dédiées. Tambour et basse a continué à évoluer, avec des artistes comme C, Noisiaet Camo & Krooked de pousser les limites techniques. Psychtrance, né à Goa et plus tard centré en Israël, a développé un fort suivi international, avec Champignons infectés et Vini Vici devenir des noms de famille sur la scène.

Les années 2020 : AI, réalité virtuelle et nouveaux paradigmes

Les années 2020 ont été définies par des changements technologiques rapides et les conséquences de la pandémie de COVID-19. Lorsque les événements en direct ont cessé en 2020, la musique électronique s'est rapidement adaptée. Fortnite, Roblox, et des plates-formes sur mesure comme Vague Ces expériences ont prouvé que les performances numériques pouvaient attirer des millions de téléspectateurs et générer des revenus substantiels, même sans présence physique. Comme les événements en personne sont revenus, le modèle hybride persistait, avec de nombreux festivals offrant des décors en direct aux publics mondiaux.

Intelligence artificielle est maintenant en train de remodeler la production et la composition. Ampère la musique, Autreset LANGUE Les producteurs utilisent l'IA comme collaborateur, générant des idées, suggérant des progressions d'accords ou des mixages de maîtrise. Bien que les préoccupations concernant le déplacement d'emplois et la créativité persistent, de nombreux artistes voient l'IA comme un autre outil dans leur trousse, comme les synthétiseurs ou les échantillonneurs étaient il y a des décennies.

La réalité virtuelle et réalité augmentée sont en train de créer de nouveaux formats de performance. Sansar et VRChat Les artistes peuvent concevoir des mondes visuels personnalisés pour leurs performances, brouillant ainsi la ligne entre le concert et le jeu vidéo. NFT (jetons non fongibles) a rapidement acquis une traction comme moyen pour les artistes de vendre des actifs numériques uniques, bien que le marché a considérablement refroidi. La technologie blockchain sous-jacente peut encore trouver usage dans la gestion des droits et la distribution des redevances.

La diversité et l'inclusion sont devenues des conversations centrales. femme discale, Pression féminineet Elle a dit " Les festivals réservent de plus en plus de divers actes et créent des espaces plus sûrs pour les participants. hyperpop, dirigé par des artistes comme 100 gecs, Charli XCXet SOPHIE, repoussent les frontières de la fusion pop et électronique, embrassant la production maximiste et secouant le paysage sonore.

Les années 2020 sont également témoins d'un retour aux sons analogiques. Bien que la production numérique domine, de nombreux producteurs intègrent des synthétiseurs vintage, des machines à ruban et des équipements matériels dans leurs flux de travail. eurorack modulaire La communauté continue de croître, offrant des possibilités infinies de conception sonore et d'improvisation en direct.

En conclusion, la musique électronique est passée de ses racines expérimentales à une force culturelle mondiale. Chaque décennie a apporté de nouvelles technologies, des sons et des communautés, en s'appuyant sur les innovations qui ont été apportées. Des séquenceurs de Kraftwerk aux pistes générées par l'IA, la musique électronique reste une frontière de créativité.

Pour plus de renseignements sur l'histoire et la technologie de la musique électronique, explorez les ressources de Son sur le son, Magazine d'attaqueet les Red Bull Music Academy les archives de conférences.